COLLECTORSROOM

Baby Vol. 1 , de Chang Sheng, chega ao Brasil pela Comix Zone como uma obra que combina ficção científica, horror corporal e ação pós-apocalíptica com identidade visual forte e personalidade própria. Ambientada em 2043, a história parte de um colapso global causado por um parasita conhecido como “Baby”, capaz de transformar humanos em criaturas mecânicas grotescas, fundindo carne e metal de maneira perturbadora. A protagonista, Elisa, sobrevive a um ataque dessas entidades, mas carrega uma condição singular: o parasita se aloja em sua mão sem consumi-la por completo. Esse detalhe funciona como eixo simbólico da narrativa, colocando a personagem em permanente tensão entre humanidade e monstruosidade. Um ano depois, sua jornada se cruza com um grupo de resgate e com a enigmática Alice, figura que amplia o mistério e os conflitos do mundo apresentado. Visualmente, Baby é impressionante. O traço de Chang Sheng é muito bonito, preciso e extremamente expressivo. Há um apelo sexual onipr...

A decisão de encerrar a discografia com um álbum autointitulado diz muito sobre a forma como o Megadeth escolheu se despedir. O disco não soa como um testamento emocional nem como uma tentativa de revisitar glórias passadas a qualquer custo. É, antes de tudo, um trabalho que mostra Dave Mustaine consciente de suas limitações, mas também seguro da identidade que construiu ao longo de mais de quatro décadas. O álbum aposta em uma linguagem deliberadamente clássica. Os riffs são secos, diretos, ancorados no thrash metal que sempre foi a espinha dorsal da banda, enquanto os solos mantêm o caráter técnico e agressivo que distingue o Megadeth desde os anos 1980. Não há aqui a ambição conceitual de Rust in Peace (1990) ou o refinamento estrutural de Countdown to Extinction (1992) , mas existe um senso de eficiência quase pragmático: as músicas dizem exatamente o que precisam dizer, sem adornos desnecessários. Nesse contexto, algumas faixas se destacam com mais clareza. “Tipping Point”,...

A Própria Carne – Escrito com Sangue  reúne duas das principais referências da cultura pop brasileira: o portal Jovem Nerd e o canal e editora Pipoca & Nanquim. A HQ não é apenas um produto derivado do filme produzido pelo portal: é uma expansão conceitual que entende o terror como algo múltiplo, fragmentado e profundamente humano. O quadrinho assume desde o início sua natureza de antologia e transforma essa característica em virtude, não em limitação. A obra reúne seis histórias curtas que orbitam o universo do filme A Própria Carne , mas evita a armadilha do simples “material complementar”. Cada capítulo funciona como um recorte específico de trauma, obsessão ou ruptura moral, explorando personagens e situações que antecedem ou tangenciam os eventos centrais da narrativa cinematográfica. O resultado é menos explicativo e mais atmosférico, algo que dialoga muito bem com a tradição do horror psicológico. A HQ aposta na diversidade. Os roteiros variam entre o horror ritualís...

Six Degrees of Inner Turbulence (2002) é, acima de tudo, um álbum sobre excesso, não apenas de duração ou complexidade técnica, mas de ideias, emoções e intenções. Diferente de Scenes from a Memory (1999), que canaliza sua ambição dentro de uma narrativa rígida e controlada, aqui o Dream Theater opta por um formato mais fragmentado, quase errático, que reflete diretamente o tema central do disco: a instabilidade interna. O primeiro disco funciona como um laboratório emocional. “The Glass Prison” estabelece um ponto de partida brutal, tanto musical quanto lírico. Os riffs angulares e a estrutura opressiva traduzem a sensação de aprisionamento psicológico, enquanto a banda assume um tom mais cru do que o habitual. É uma música que privilegia impacto e tensão, mesmo quando flerta com a repetição, e deixa claro que o virtuosismo aqui não é apenas ornamental, mas parte do discurso. “Blind Faith” amplia esse escopo ao explorar a dúvida como motor narrativo. A música cresce lentamente, ...

Lançado após o sucesso de Allied Forces (1981), Never Surrender (1982) não tenta simplesmente repetir a fórmula que havia funcionado, mas amplia o alcance sonoro e temático do Triumph, equilibrando hard rock melódico, peso consistente e uma surpreendente ambição estrutural. Logo na abertura, “Too Much Thinking” deixa claro que este não será um disco apenas festivo. O riff é direto, quase urgente, e a letra traz um olhar crítico sobre excesso de informação, pressão social e alienação, temas pouco comuns no hard rock mais radiofônico da época. Essa veia reflexiva reaparece em vários momentos do álbum, especialmente em “Writing on the Wall”, que flerta com um tom quase apocalíptico. O Triumph, porém, nunca abandona seu lado mais melódico. “A World of Fantasy” surge como uma das grandes baladas da banda, conduzida por um vocal emotivo de Rik Emmett, que aqui demonstra total domínio entre suavidade e intensidade. Já “All the Way” representa o Triumph mais acessível e direto, com refrã...

A edição 46 de Dylan Dog, publicada no Brasil pela Mythos Editora com o título Metamorfose , reúne duas histórias escritas por Claudio Chiaverotti que representam com precisão um momento específico e muito particular da fase anos 1990 do personagem. Ao colocar lado a lado “Metamorfose” e “O Mosaico do Terror”, o volume funciona quase como uma obra dividida em duas partes sobre identidade, fragmentação e a perda de controle diante do horror. Em “Metamorfose”, o ponto de partida é simples e profundamente perturbador: Rebecca Stanford, uma mulher bem-sucedida, acorda um dia presa em um corpo que não é o seu. A transformação física não é apenas um artifício grotesco, mas o gatilho para uma narrativa que mergulha no medo da dissolução do eu. Chiaverotti conduz a história de forma deliberadamente onírica, criando uma sensação constante de deslocamento e estranhamento. Nada parece sólido ou confiável, nem mesmo a própria identidade. É um terror mais psicológico do que explícito, potencializ...

Concebido como a primeira metade de um álbum duplo, Elements Pt. 1 (2003) é um dos momentos mais ambiciosos da discografia do Stratovarius e amplia de forma explícita a veia sinfônica da banda, apostando pesado em orquestrações, corais e estruturas longas. Uma decisão que, até hoje, divide fãs e críticos. Logo na abertura, “Eagleheart” entrega um Stratovarius reconhecível: power metal melódico, refrão forte e clima otimista. Faixas como “Soul of a Vagabond” e “Learning to Fly” reforçam esse lado mais direto e eficiente do álbum, equilibrando peso, melodia e os vocais característicos de Timo Kotipelto. Já “Stratofortress”, instrumental veloz e técnico, funciona como vitrine da precisão e do entrosamento da banda em seu auge técnico. O grande ponto de ruptura de Elements Pt. 1 está nas composições mais extensas e sinfônicas. “Fantasia” e, principalmente, a faixa-título “Elements” apostam em grandiosidade, corais épicos e desenvolvimento lento. Para alguns ouvintes, são o coração c...

Dreaming Neon Black (1999) marca um dos momentos mais intensos e pessoais da trajetória do Nevermore. Muito além do que um simples álbum de metal, trata-se de uma obra conceitual sombria, construída a partir de uma narrativa de perda, obsessão e colapso emocional, elementos que atravessam o disco do primeiro ao último minuto. A história gira em torno de um homem que perde a mulher que ama e passa a afundar em um estado de paranoia e desespero, flertando com a loucura e o suicídio. Essa trama não surge do nada: ela dialoga diretamente com experiências reais do vocalista Warrel Dane, o que confere ao álbum um peso emocional raro, quase desconfortável em alguns momentos. Não há aqui distância entre o intérprete e o personagem: tudo soa visceral. O Nevermore opta por um caminho menos direto do que em trabalhos anteriores. O peso continua presente, mas agora dividido espaço com atmosferas densas, passagens melancólicas e uma sensação constante de opressão psicológica. As guitarras de J...

Balance (1995) é frequentemente rotulado como um disco irregular, mas essa definição simplifica demais o que ele realmente é. Mais do que um conjunto de músicas com altos e baixos, o álbum funciona como um retrato cru de um Van Halen em estado de esgotamento criativo e emocional, tentando manter sua identidade enquanto o mundo ao redor, e dentro da própria banda, mudava rapidamente. A começar pelo contexto: o início dos anos 1990 já não era mais um terreno naturalmente favorável ao hard rock clássico. O grunge havia deslocado o eixo do mainstream, e bandas associadas ao virtuosismo e ao excesso precisavam se reinventar. Em Balance, essa pressão externa se soma a conflitos internos bem documentados, especialmente entre Eddie Van Halen e Sammy Hagar. O resultado é um disco que soa menos confiante, mais introspectivo e, em muitos momentos, tenso. Eddie assume um papel ainda mais central. Seu trabalho de guitarras e teclados é elaborado, por vezes quase obsessivo, e revela um músico m...