A Night at the Opera: (1975) o disco em que o Queen reinventou a grandiosidade no rock

A Night at the Opera (1975) é o momento em que o Queen decide não apenas subir o volume, mas reinventar o próprio conceito de grandeza dentro do rock. É o disco em que a banda abandona qualquer tentativa de moderação e abraça de vez o maximalismo — musical, estético e emocional. O resultado é um dos álbuns mais importantes dos anos 1970 e um dos pilares da história do gênero.

Lançado após o turbulento Sheer Heart Attack (1974) e sob enorme pressão financeira — o quarteto estava virtualmente quebrado e atolado em disputas contratuais — A Night at the Opera nasce de um cenário de crise total. E, como tantas vezes acontece na história do rock, é justamente dessa crise que surge a faísca para algo extraordinário. O Queen canaliza frustração, ambição e talento bruto em um turbilhão criativo que não encontra paralelo.

O título, inspirado no filme dos Irmãos Marx, já entrega a postura: humor, teatralidade, caos organizado. E é nesse espírito que Freddie Mercury, Brian May, John Deacon e Roger Taylor constroem um álbum que atravessa hard rock, pop barroco, vaudeville, música erudita, folk britânico e até proto-metal, tudo tratado com rigor quase obsessivo. A banda passa semanas empilhando camadas vocais, sobrepondo guitarras e experimentando em estúdios diferentes, uma operação caríssima que só faz sentido quando se escuta o resultado final.

E que resultado. “Death on Two Legs” abre o disco como um ataque venenoso, repleto de sarcasmo e guitarras afiadas, um desabafo direto aos antigos empresários. “I’m in Love with My Car” é o momento de Roger Taylor acelerar a banda com personalidade e humor, enquanto “You’re My Best Friend” entrega o contraponto doce de John Deacon, uma das canções pop mais puras já compostas pelo grupo. Brian May assume o comando em “’39”, uma peça folk-científica que poderia ter saído de um álbum do Led Zeppelin, e em “The Prophet’s Song”, o épico mais ambicioso do guitarrista: oito minutos de coros labirínticos, riffs pesados e atmosfera apocalíptica. A balada “Love of My Life”, bela e sentimental, funciona como contraponto e se tornou uma das canções mais conhecidas da banda, principalmente no Brasil.

Mas tudo isso é apenas a preparação para o inevitável. “Bohemian Rhapsody” não é só a faixa mais famosa do disco — é um marco cultural. Um Frankenstein sonoro que une balada, ópera e rock sem jamais soar desconjuntado. Freddie Mercury cria uma mini-ópera pop que desafia regras de composição, duração e execução. A banda entrega tudo: vocais empilhados em dezenas de pistas, guitarras circulares, dinâmica mutante. Hoje parece óbvio, mas em 1975 era pura insanidade criativa. E funcionou: a música redefiniu o papel da experimentação dentro da música popular e transformou o Queen em um fenômeno mundial.

O álbum não apenas estabilizou financeiramente a banda e salvou a sua carreira, como também fixou a identidade definitiva do Queen: exuberante, ousada, teatral. Influenciou gerações de artistas que perceberam ali que o rock podia ser tão sofisticado quanto divertido, tão grandioso quanto íntimo. Do metal sinfônico ao indie barroco, do pop alternativo às trilhas de cinema, seus ecos continuam reverberando.

Cinquenta anos depois, segue soando como uma obra que não se limita ao seu tempo. É um registro de quatro músicos entrando em combustão criativa total, apostando tudo no estúdio e saindo de lá com um dos discos mais inventivos já feitos. A Night at the Opera não é apenas um clássico: é a prova de que, quando o Queen mirava no impossível, geralmente acertava.