Classicando: uma breve introdução à música erudita

O termo Música Clássica (ou Música Erudita) é utilizado para cobrir uma ampla gama de música que se originou na Europa por volta do ano 500 D.C., incluindo a Música Clássica Medieval, Música Renascentista, Música Barroca, Período Clássico, Romantismo e as eras Clássicas Modernas. Compositores notáveis ​​no gênero incluem Pérotin, Machaut, Palestrina, Händel, Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms, Debussy, Schönberg, Stravinsky, Cage e Reich.

Embora haja exceções, a Música Clássica Ocidental pode ser caracterizada por seu sistema tonal e linguagem harmônica, sistema de afinação dodecafônica, sistema de notação fixo, formas musicais padrão e instrumentação. Quando comparada amplamente a outras tradições musicais, a Música Clássica Ocidental tende a colocar mais ênfase na harmonia e menos no ritmo, e se baseia mais na performance fixa do que na improvisação.

O gênero mudou radicalmente com o tempo, e duas peças escolhidas em períodos diferentes podem soar muito diferentes. No entanto, o desenvolvimento gradual, sua linhagem evolutiva e sua história conferem coesão aos muitos estilos e movimentos individuais dentro do gênero.

A MÚSICA CLÁSSICA MEDIEVAL

A Música Clássica Medieval se refere à Música Clássica Ocidental composta durante a Idade Média (476 a 1492 D.C.). O predomínio da Música Litúrgica Cristã e a invenção da notação musical moderna por Guido d'Arezzo são dois aspectos fundamentais deste período.

Antes do advento do feudalismo (século IX), a música clássica da Europa Ocidental e Central era escassa em comparação com a Música Bizantina, que se acredita ter florescido após a queda de Roma. Entre 900 a 1150, o canto gregoriano foi a forma musical hegemônica na Europa. Entre 1150 e 1450, a música medieval experimentou uma evolução notável que pode ser dividida em três fases principais: Ars antiqua (arte antiga), Ars nova (arte nova) e Ars subtilior (arte mais sutil). O desenvolvimento da música clássica medieval incluiu estruturas rítmicas cada vez mais complexas, o aparecimento de texturas polifônicas e a combinação de elementos da música secular e sacra.

No final do século XV, a música renascentista (que abrangeu o período entre 1400 e 1600) já havia se expandido pela Europa, enquanto a música medieval havia saído de moda. Durante o século XX, alguns compositores clássicos modernos, como Carl Orff, reviveram as formas medievais com uma abordagem modernista.

A ERA BARROCA

A era barroca da música clássica ocorreu por volta de 1600 a 1750. Nessa época, a maioria das obras possuía certas características principais. A primeira é um fluxo rítmico constante ou um movimento constante durante todo o processo. Em seguida, cada peça ou movimento geralmente se concentra em uma única ideia melódica que é totalmente desenvolvida. Por último, quase todas as obras barrocas incluíam alguma forma de contraponto - duas ou mais linhas musicais que seguem caminhos separados, mas se cruzam e interagem em determinados pontos. Alguns compositores notáveis deste período foram Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi e Claudio Monteverdi.

O PERÍODO CLÁSSICO

Na sequência, veio o que é chamado de Período Clássico, termo que se refere à fase na história da Música Clássica Ocidental entre a queda da Música Barroca e a ascensão do Romantismo, ocorrendo aproximadamente de 1750 a 1820.

O ROMANTISMO

Romantismo é o termo usado para definir a música clássica ocidental que foi inicialmente desenvolvida no período de 1815 a 1910. Embora praticada predominantemente na Europa no século XIX, a música romântica possui qualidades estilísticas que a tornam mais do que uma mera categoria geográfica ou cronológica. Ela pode ser caracterizada por suas qualidades expressivas e emocionais, especialmente em termos de melodia.

A abordagem dos compositores românticos foi projetada para romper com a rigidez do período clássico. Em suas últimas obras, Ludwig van Beethoven foi o pioneiro em uma nova abordagem para a utilização de orquestras, variando a instrumentação e o timbre (por exemplo, seu uso de um coro na Nona Sinfonia). Além disso, Beethoven inspirou compositores românticos posteriores por meio de seu uso avançado de harmonias que modulavam tons muito mais drasticamente do que no passado e pela exploração de motivos melódicos que se estendiam e evoluíam por meio de peças longas.

Expandindo esses desenvolvimentos, os compositores românticos frequentemente usavam técnicas como cromatismo, ritmos variados e dissonância aumentada para criar um estilo dramático expressivo, como pode ser visto na obra sinfônica de Hector Berlioz e na ópera de Giuseppe Verdi.

A fusão de drama e música foi promovida por meio de Franz Liszt e Hector Berlioz. Os poemas tonais foram concebidos para contar uma história ou avançar um tema através da música. Essa ideia foi ampliada por Richard Wagner, que usou melodias temáticas e uma abordagem cada vez mais dramática da composição.

Outro ingrediente chave da música romântica foi o influxo de novas fontes melódicas. Isso foi impulsionado principalmente pelo fortalecimento do nacionalismo no final do século XIX. Compositores como Antonín Dvořák, Johannes Brahms, Frédéric Chopin e Edvard Grieg usaram elementos da música folclórica (tcheca, húngara, polonesa e norueguesa, respectivamente) em suas obras.

A música romântica sobreviveu mesmo além do período do Romantismo. Elementos dessa época podem ser encontrados na obra de compositores do final do século XX como Krzysztof Penderecki e John Williams.

O CLÁSSICO MODERNO

Iniciando no século XX, o Clássico Moderno compreende uma infinidade de abordagens composicionais diferentes que se desviam significativamente dos princípios anteriormente defendidos da Música Clássica Ocidental. Geralmente, o único aspecto que várias escolas clássicas modernas compartilham é o abandono do tradicional: a liberação da harmonia dos centros tonais, o emprego de técnicas instrumentais não convencionais, a confiança em fontes sonoras não musicais, a introdução de novas escalas de afinação, a admissão da aleatoriedade no processo de composição e a desconstrução de temas e motivos musicais em passagens estáticas e repetitivas. Alguns aspectos do Romantismo foram transportados para o Clássico Moderno (na verdade, muitos compositores da era romântica adotaram o ponto de vista dos modernistas). Nem toda composição do século XX é clássica moderna em termos de abordagem. As tentativas de voltar às convenções anteriores estão presentes em estilos como o neoclassicismo.

As primeiras décadas dos anos 1900 viram uma mudança da emoção dramática do Romantismo tardio para a abordagem mais contida e dissonante do Expressionismo. Os expressionistas começaram a transformar a inclinação romântica para o cromaticismo em completo desrespeito pela harmonia tonal. Este período inicial de "atonalidade livre" eventualmente cresceu em um sistema formal e ordenado, começando com a Segunda Escola Vienense liderada por Arnold Schoenberg. O método de dar igual peso a cada tom cromático (conhecido como a técnica de doze tons) foi posteriormente aplicado a outros aspectos da música, como dinâmica e duração.

Na Itália e na União Soviética, atitudes políticas radicalizadas transbordaram para o reino musical com a ascensão do Futurismo no início do século XX. O apelo da tecnologia moderna levou os compositores a abraçarem os sons das máquinas, seja tocando máquinas em composições, seja escrevendo peças que imitam sons industriais. As obras dos futuristas são vistas hoje como alguns dos fundamentos da Música Experimental.

Na década de 1950, o próprio processo de composição foi desafiado pelos proponentes da música aleatória, ou indeterminação. Este método introduziu aleatoriedade ou acaso na escrita ou no desempenho. A obra de John Cage popularizou o paradigma indeterminista. Intimamente relacionada é a Música Estocástica de Iannis Xenakis e seguidores. Xenakis buscava inspiração na matemática e na probabilidade, escrevendo peças que eram informadas pela aleatoriedade à medida que eram desenvolvidas, mas também necessitavam de orientação direta do compositor.

Em meados do século, após perceber que a tecnologia de gravação poderia ser explorada para outros fins que não a preservação de performances, compositores como Halim El-Dabh e Pierre Schaeffer começaram a usar mídias como a fita magnética como meio de produzir novos sons, desenvolvendo assim a Música Eletroacústica e Música Concreta, primeiras formas de música eletrônica. Embora esses dois estilos tenham sido inicialmente associados à música clássica (seja pela manipulação de gravações clássicas ou forjando "sons encontrados" em uma vaga aparência de música clássica), eles se expandiram para campos fora do acadêmico.

A década de 1960 trouxe o Minimalismo para o mundo clássico, que se empenhava em pegar pequenas ideias musicais e repeti-las continuamente, às vezes com elementos aleatórios ou com múltiplos temas se sobrepondo e interagindo de diferentes maneiras. A ideia de expansão da abordagem minimalista levou à escola relacionada do Pós-Minimalismo, que incorporou elementos da música contemporânea fora da tradição clássica.

Ainda que a experimentação com sistemas de afinação fora dos doze tons da música ocidental certamente existisse em épocas anteriores da música clássica, foi durante a era moderna que as abordagens clássicas microtonais receberam atenção séria. Os sistemas usados ​​em Gamelan e outros estilos muito além do alcance da música ocidental foram examinados por compositores e reaproveitados para novas composições. Os sintetizadores tornaram esses novos sistemas de afinação acessíveis a muitos, mas as composições acústicas também não eram incomuns.

Embora existam muitas outras escolas de clássicos modernos, alguns compositores modernos não se enquadram perfeitamente em nenhuma de suas subcategorias. As qualidades gerais da música do século XX podem existir em suas obras, mas eles não se comprometem totalmente com uma abordagem ou usam um sistema idiossincrático próprio.

O clássico moderno foi usado alternadamente com o clássico contemporâneo até décadas recentes. A divisão entre a música artística moderna e a pós-moderna é um tanto indistinta em comparação com a literatura e as artes visuais. Questões sobre se existe um ponto de partida identificável da abordagem moderna e em que ponto no tempo essa divisão ocorreu permanecem controversas. No entanto, geralmente se entende que o rótulo contemporâneo se aplica à música na segunda metade do século XX, especialmente a partir da década de 1970.

Abaixo você tem uma playlist com algumas das mais belas e conhecidas obras clássicas, e que serve de porta de entrada pra um mundo musical riquíssimo e cheio de possibilidades: