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Once Upon the Cross (1995): o ponto de transição do Deicide

Após dois discos que ajudaram a redefinir os limites do death metal no início dos anos 1990, o Deicide chegou ao seu terceiro álbum cercado por expectativas altas. Lançado em 1995, Once Upon the Cross não tenta repetir exatamente a brutalidade caótica de Legion (1992), mas também não rompe com a identidade construída até ali. O que se ouve é uma banda ajustando o próprio som e, ao fazer isso, inevitavelmente dividindo opiniões. Gravado no Morrisound Studios sob a produção de Scott Burns , o disco mantém intactos os pilares do Deicide: riffs rápidos e cortantes, bateria precisa e agressiva de Steve Asheim e os vocais cavernosos de Glen Benton , ainda carregados de sua conhecida obsessão temática anticristã. No entanto, há uma mudança perceptível na forma como esses elementos são organizados. As músicas são mais diretas, com estruturas menos labirínticas e uma preocupação maior com impacto instantâneo. Faixas como “Once Upon the Cross”, “Kill the Christian” e “Trick or Betrayed” ...
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Cowboy Bebop - Supernova Swing : um episódio perdido que acerta o tom e funciona como porta de entrada para a série (2026, Cyberpulp Comix)

Transformar Cowboy Bebop em quadrinhos não é uma tarefa simples. A obra original sempre dependeu menos de continuidade e mais de atmosfera, uma combinação delicada de ação, melancolia e silêncio. Em Cowboy Bebop: Supernova Swing , essa essência é compreendida logo de saída, e talvez esse seja o maior mérito da HQ escrita por Dan Watters e ilustrada por Lamar Mathurin. Publicada originalmente pela Titan Comics, a minissérie em quatro edições funciona como um episódio isolado: Spike, Jet, Faye e Ein seguem a trilha de um alvo envolvido com um artefato improvável, um colete quântico capaz de garantir sorte infinita. A premissa soa absurda a princípio, mas se encaixa perfeitamente na lógica do universo da série, onde o acaso e o destino frequentemente caminham lado a lado. Watters acerta ao não tentar reinventar a estrutura narrativa. A história se desenvolve como um “caso da semana”, equilibrando ação, humor e pequenas doses de reflexão. Os diálogos capturam bem a dinâmica entre os p...
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The Sisters of Mercy em Floodland (1987): ruptura, excesso e o nascimento de um clássico gótico

Poucos álbuns carregam uma aura tão singular quanto Floodland (1987), segundo disco do The Sisters of Mercy . O álbum soa como uma obra de reconstrução e, em muitos sentidos, de isolamento. Após o colapso da formação responsável por First and Last and Always (1985), Andrew Eldritch assumiu o controle quase absoluto do projeto, transformando o que antes era uma banda em um veículo para sua visão artística. Esse contexto é decisivo para entender o disco. Floodland nasceu de um momento de ruptura, disputas e reinvenção, e isso se reflete diretamente em sua estética. Se o debut era marcado por uma crueza típica do pós-punk, aqui tudo é amplificado: a bateria eletrônica Doktor Avalanche ganha protagonismo, os sintetizadores constroem camadas densas e a produção assume uma grandiosidade pouco comum ao gênero. Há um senso quase cinematográfico atravessando o álbum, reforçado pela participação de Jim Steinman , cujo toque dramático é especialmente evidente em “This Corrosion”. O disco ...
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Temple of the Dog (1991): o elo emocional que moldou o som de Seattle

O Temple of the Dog não nasceu como um passo calculado, mas como um gesto espontâneo de luto. Idealizado por Chris Cornell após a morte de Andrew Wood, um de seus amigos mais próximos e vocalista do Mother Love Bone, o álbum transformou perda em música de forma direta e sem filtros, e talvez seja justamente isso que o torna tão duradouro. Cornell escreveu “Say Hello 2 Heaven” e “Reach Down” como forma de lidar com a ausência de Wood, mas logo se viu cercado por músicos que também orbitavam esse mesmo núcleo emocional: Stone Gossard, Jeff Ament, Mike McCready e Matt Cameron. A participação de Eddie Vedder, ainda um desconhecido à época, completou um encontro que, retrospectivamente, soa quase mítico. Aqui, antes do sucesso massivo, estavam os pilares do que viria a ser o auge do grunge. Musicalmente, o disco se afasta do peso mais angular do Soundgarden e da urgência crua que o Nirvana levaria ao mainstream. Em seu lugar, surge um som mais orgânico, profundamente enraizado no hard r...
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Blefe Mortal: o faroeste experimental de Rick Veitch que desafia a leitura tradicional de quadrinhos (2026, Cyberpulp Comix)

Em Blefe Mortal , Rick Veitch leva sua veia mais autoral a um território em que narrativa e forma caminham juntas, e nem sempre de maneira confortável. Publicada no Brasil pela Cyberpulp Comix, a HQ parte de uma ideia simples, mas usa essa base para desmontar a lógica tradicional dos quadrinhos. A história gira em torno de um confronto típico de faroeste: dois homens, um duelo iminente, uma sepultura ao fundo. Só que Veitch não desenvolve isso como um western clássico. O duelo funciona mais como ponto de tensão do que como trama em si, enquanto a narrativa avança de forma fragmentada, sugerindo mais do que explica. O diferencial está no uso do chamado Panel Vision, formato criado pelo próprio autor, em que cada página funciona como um único quadro, com a arte ocupando toda a sua dimensão. Em vez da divisão tradicional, Veitch constrói composições inteiras em que as cenas se transformam umas nas outras sem cortes claros. Não há a pausa entre quadros, tudo flui dentro da própria imag...
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Follow the Blind (1989): o Blind Guardian antes da grandeza

Follow the Blind (1989), segundo álbum do Blind Guardian, é ao mesmo tempo um passo adiante em relação ao debut Battalions of Fear (1988) e um registro de uma identidade ainda em formação. O disco revela uma banda dividida entre o impulso bruto do speed metal e a ambição por algo maior, algo que só se concretizaria plenamente nos anos seguintes. Gravado em um contexto de efervescência do metal alemão, o disco mergulha fundo em uma abordagem mais agressiva, aproximando-se do thrash metal que dominava o underground da época. As guitarras são mais cortantes, os andamentos frequentemente acelerados e há uma sensação constante de urgência. Em muitos momentos, o álbum parece menos preocupado com nuance e mais interessado em intensidade. Isso fica evidente logo nas primeiras faixas. “Banish from Sanctuary” é um ataque direto, sustentado por riffs velozes e uma energia quase incontrolável. Já “Damned for All Time” reforça essa mesma pegada, com estrutura simples, mas eficiente. Ainda ass...
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Tango in the Night (1987): o último suspiro da formação clássica do Fleetwood Mac

Ao mesmo tempo em que representa o auge de sofisticação sonora do Fleetwood Mac, Tango in the Night (1987) também marca o esgotamento definitivo da formação clássica da banda. É um álbum construído com precisão quase obsessiva e atravessado por tensões que nunca deixam de se insinuar sob sua superfície. Originalmente concebido como um trabalho solo de Lindsey Buckingham, o disco foi transformado em projeto do grupo por iniciativa de Mick Fleetwood. Esse detalhe ajuda a explicar muito do que se ouve: Tango in the Night é, em grande medida, um álbum moldado dentro do estúdio, com Buckingham assumindo o papel de arquiteto central. O uso intensivo de tecnologia, especialmente samplers e camadas digitais, resulta em uma sonoridade meticulosamente lapidada, onde cada elemento parece ocupar um espaço milimetricamente calculado. Essa abordagem se traduz em um pop rock sofisticado, de atmosfera etérea e textura densa. Faixas como “Big Love” e “Little Lies” exemplificam bem essa estética: ...
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O Corpo de Cristo: uma narrativa brutal sobre família, fé e saúde mental (2025, Comix Zone)

Poucas obras recentes dos quadrinhos europeus conseguiram articular forma e conteúdo com a mesma intensidade de O Corpo de Cristo , da autora espanhola Bea Lema . Premiada em vários países, a graphic novel se insere no território raro em que experiência pessoal, experimentação estética e leitura social se entrelaçam de maneira inseparável. A narrativa parte de uma perspectiva infantil para abordar um tema brutal: a doença mental dentro do núcleo familiar. A protagonista, ainda criança, interpreta o sofrimento da mãe através das lentes da religiosidade popular: não como um transtorno, mas como possessão. Esse deslocamento inicial é fundamental, pois estabelece um dos eixos centrais da obra: o conflito entre fé, ignorância e ciência, mediado por um ambiente profundamente marcado pelo conservadorismo e pela estrutura patriarcal. O que diferencia O Corpo de Cristo de outras HQs autobiográficas não é apenas o tema, mas a forma como ele se materializa na página. Lema constrói uma lingua...
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Angel Dust (1992): o disco em que o Faith No More destruiu a sua própria fórmula

Após o sucesso de The Real Thing (1989), impulsionado pelo mega sucesso de “Epic”, a expectativa era por uma continuação acessível e comercialmente segura. O que o Faith No More entregou, porém, foi exatamente o oposto: um álbum desafiador, instável e artisticamente ambicioso, que redefiniu não apenas sua identidade, mas também os limites do rock alternativo no início dos anos 1990. Grande parte dessa transformação passa pela atuação de Mike Patton . Em Angel Dust (1992), sua influência extrapola os vocais e se estende à própria concepção estética do disco. O resultado é uma obra que abandona de vez o rótulo de funk metal e mergulha em uma colagem sonora que incorpora eletrônica, música experimental, metal, pop e até referências eruditas. A banda passa a operar em um território onde o contraste é regra: peso e melodia coexistem de forma abrupta, enquanto o humor ácido se mistura a uma sensação constante de desconforto. Faixas como “Caffeine” e “Midlife Crisis” exemplificam essa d...
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Salisbury (1971): o momento em que o Uriah Heep buscou ir além do hard rock

Salisbury (1971) é um daqueles discos que carregam nas próprias entranhas a tensão entre identidade e experimentação. Segundo trabalho do Uriah Heep , o álbum surge em um momento em que a banda ainda buscava consolidar seu som, mas já demonstrava uma ambição que ia muito além do hard rock praticado por seus contemporâneos. Se o debut apontava caminhos, Salisbury escancara possibilidades. Há uma mudança perceptível na condução criativa, com maior protagonismo de Ken Hensley, cujo trabalho nos teclados passa a moldar de forma decisiva a sonoridade do grupo. O órgão assume papel central, adicionando densidade e dramaticidade às composições, enquanto os vocais de David Byron exploram um registro cada vez mais teatral, reforçando o caráter épico que permeia boa parte do disco. Essa expansão estética se traduz em uma obra que flerta abertamente com o rock progressivo. As estruturas se tornam mais elaboradas, os arranjos mais sofisticados e a dinâmica das músicas ganha nuances que vão a...
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